Guia de los museos de madrid para difrutar de las exposiciones en madrid en la reina sofia, en el prado, en el thyssen y en las fundaciones:

La variedad de museos en Madrid es una prueba de la gran actividad cultural de esta ciudad. No podemos dejar de visitar el tradicional "Paseo de los Artes", y sus tres muesos más famosos como: el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen. Pero la ciudad esta llena de otros museos, fundaciones y centros culturales muy interesantes.

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MUSEO DEL PRADO
(Paseo del Prado, s/n, Metro Banco de España)

El Prado es muy famoso por sus extraordinarias pinturas religiosas y retratos reales realizados por Goya, El Greco y Velásquez, así como por los trabajos de Hieronymus Bosch, Titian, Rubens, entre otros. La colección se considera mundialmente como una de las más ricas y bonitas en calidad y variedad.

El museo esta abierto: de martes a domingo y los días festivos de las 9 am a las 7 pm. Cerrado: los lunes, el 1 de enero, 1de mayo, 25 de diciembre, el viernes de Semana Santa. El precio de la entrada para todo público es de 6 Euros, y de 3 Euros para estudiantes de menos de 25 años de otro país que la UE. Entrada libre par los que tienen menos de 18 años, los mayores de 65 años, jubilados y minusválidos, estudiantes de menos de 25 años de la UE, y para TODOS desde noviembre 2007 de martes a sábado y de seis a ocho de la tarde. Los domingos dejarán de ser gratuitos durante todo el día, sólo se podrá visitar el museo sin soltar un euro de 16 a 20 horas.

Exposiciones actuales:

Francis Bacon. Hasta el 19 de Abril:

El conjunto de 78 obras entre pinturas de Francis Bacon y objetos de su archivo que se exponen aquí, se agrupan siguiendo un orden, en parte cronológico, en varios apartados temáticos, que siguen conceptos derivados de los asuntos que trató en distintas etapas de su vida: Animal, Zona, Aprensión, Crucifixión, Crisis, Archivo, Retrato, Memorial, Épico y Final.

Siguiendo cada una de estas grandes divisiones el visitante se puede adentrar en el mundo particular de las obsesiones del artista. La contemplación de la pintura de Bacon exige la concentración máxima, el alejamiento de los prejuicios, el abrir los ojos y la mente a la belleza de su técnica y a su descarnada y veraz aproximación al ser humano, que le ha hecho un creador universal.

La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce : hasta el 24 de Mayo

Con ocasión del cierre temporal del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico, para la renovación y expansión de sus instalaciones, se presenta esta exposición que contribuye a paliar la escasez, por razones históricas, de pintura británica en las colecciones del Prado y en el conjunto de las colecciones españolas.

La exposición, compuesta por 17 obras - 10 pinturas y 7 estudios sobre papel- proporciona al público la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, da a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño.

Dos de las obras más importantes de la muestra, El sueño del rey Arturo en Avalón y Sol ardiente de junio, vienen a Madrid procedentes de Londres, donde se han exhibido como parte de una colaboración entre el Museo de Arte de Ponce y la Tate Britain. La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy- basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

Entre las espléndidas obras que conforman la exposición, cabe destacar la reconocida como obra maestra de Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón, por tratarse de una pintura que, a excepción de su reciente participación en la exposición de Londres, no había salido de Puerto Rico desde que Ferré la adquirió para el Museo de Arte de Ponce en la década de los 60. La obra no había sido prestada antes tanto por su importancia para la colección ponceña como por las dificultades de su traslado dado su gran formato, con más de seis metros de ancho. Se trata de una pintura, fruto de la fascinación de Burne-Jones por la leyenda del rey Arturo –compartida por otros colegas contemporáneos como Rossetti o William Morris-, a la que el artista dedicó los últimos años de su vida, trabajando en su constante reelaboración hasta el día anterior a su muerte. Esta gran tela estará acompañada en la exposición por una serie de bocetos y dibujos preparatorios que ayudarán a entender cómo trabajó el pintor hasta plasmar su imagen de ensueño.

El recorrido por la exposición muestra extraordinarios ejemplos de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita como La señorita Gladis M. Holman Hunt, obra de William Holman Hunt, el artista que más fiel se mantuvo a lo largo de su carrera al lema del grupo: “fidelidad a la naturaleza”; La huida de una hereje, 1559 de John Everett Millais que desarrolló la tradición de presentar anécdotas imaginarias del pasado como un medio para universalizar los sentimientos de los individuos o La viuda romana de Dante Gabriel Rossetti, obra que forma parte de una larga serie de enigmáticos retratos de mujeres de medio cuerpo, influenciado en parte por el retrato veneciano del Renacimiento.

Rembrandt (1606-1669)

Es uno de los pintores más personales de toda la historia del arte europeo. Desde sus inicios en Leiden hasta su muerte en Ámsterdam, su pintura es un constante proceso de búsqueda cuyo fin es representar las emociones de las personas de la manera más incisiva y conmovedora posible. Esta exposición se centra en sus cuadros de asuntos bíblicos e históricos. En la escala de valores de Rembrandt y sus contemporáneos, estos temas eran los más importantes a los que podía dedicarse un pintor. Además, es en ellos donde mejor podía representar las reacciones de las personas ante situaciones dramáticas, y con ello explorar la condición humana.

En esta exposición se incluyen obras de todas las épocas de la carrera de Rembrandt. En su juventud, los gestos de los personajes son extrovertidos y su mirada a menudo burlona y jocosa. En su madurez las emociones son más contenidas, y el énfasis se encuentra en la energía mental de los personajes.

Rembrandt conocía la historia de la pintura europea gracias a su inmensa colección de estampas y al mercado de arte de Ámsterdam. Junto a las obras de Rembrandt, en esta exposición se incluyen algunos cuadros de otros artistas, todos de la colección del Museo del Prado. La función de estas obras es ayudarnos a entender al pintor holandés: en algunos casos representan el modelo estético que guió al pintor o frente al que reaccionó. En otros, se trata de obras de contemporáneos cuya diferencia con Rembrandt sirve para comprender mejor su peculiar estética. El arte de Rembrandt está firmemente anclado en la tradición pictórica europea. Sin embargo, su actitud hacia esa tradición es crítica: muy pocos artistas han tenido su ambición de transformarla ni lo han hecho de forma tan radical.

Antiguas exposiciones: De momento, exposiciones interesantes sobre :Tintoretto 30 enero – 13 mayo 2007

El Museo del Prado presentará en enero la mayor exposición sobre el pintor que se celebra desde la organizada en el Palazzo Pesaro de Venecia en 1937.

La exposición “Tintoretto” contará con alrededor de 70 obras procedentes de los principales museos e instituciones europeas y norteamericanas que conservan trabajos del artista y constituye la primera antológica dedicada a Tintoretto en España además de la única monográfica que se celebra en el mundo desde la presentada en Venecia hace setenta años. El Museo del Prado propondrá en esta muestra un riguroso recorrido por la dilatada carrera de Tintoretto a la vez que culmina una larga y exhaustiva investigación que tendrá su reflejo en el catálogo de la misma.

Mas info : http://museoprado.mcu.es/home.html

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFIA
(Santa Isabel, 52 Metro Atocha)

Es el Museo de Arte Contemporáneo de España. En sus diversas salas, los visitantes pueden ver las grandes obras de los genios del vanguardia española con Picasso, Miró o Dalí. La famosa pintura de Picasso, Guernica, ocupa un sitio de honor en esta colección. También se organizan exposiciones temporales temáticas muy interesantes

El museo está abierto de lunes a sábado de las 10 am. a las 9 pm. Los domingos y días festivos de las 10 am. a las 4 pm. Está cerrado los martes. El precio de la entrada es de 3 Euros, y de 1,5 euros para los que tienen un "Carné Joven" o una tarjeta de estudiante. La entrada es gratuita para los menores de 18 años, los mayores de 65 años y para TODOS los sábados (de las 2.30 pm. A las to 9pm.) y los domingos (de las 10 am. a las 2.30 pm)

Exposiciones actuales:fotos y performance:

Retratos o si yo fuera es en primer lugar una apropiación -a través de la observación- del cuerpo del otro: de su movimiento, de su gestualidad, de su vestuario, de su espacio.

“Pero, mas allá de esta primera capa de observación objetiva del ser retratado, Retratos o si yo fuera es también un ejercicio de ciencia ficción, en el que hay, por un lado el espacio, los objetos y la vida real del ser retratado, y por otro, un cuerpo extraño, el mío, que lo suplanta. Retratos nace del deseo de ser otro, de tener otro cuerpo, otra vida.

Finalmente al hablar de otro hablo de mí.
Esta perversión es la tensión que sustenta cada retrato.”

Sofia Asencio
La instalación

Fechas: 17 a 25 de abril
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Instalación

Performance de Sofía Asencio y Nilo Gallego. Si yo fuera

Práctica de observación núm.1

Observar al otro. Trabajar con la simplicidad del mecanismo de la imitación. No juzgar, dar el mismo valor a todo, huir de la lógica. Transformar continuamente. Se trata de desactivar los mecanismos que rigen el funcionamiento narrativo de la realidad para abrir nuevos puntos de vista, desenmascarando su rijidez e inmobilidad, transformando los símbolos en simples anécdotas.

Fechas: 17, 18 y 20 de abril
Hora: 20:00 h (días 17 y 18) 19:00 h (día 20)
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Performance/danza
Duración: 30 minutos

El taller de Tomás Aragay

Fechas: 18, 19 y 20 de abril
Hora: De 10:00 h a 14:00 h
Lugar: Edifico Nouvel. Sala de protocolo
Inscripciones: Hasta el 13 de abril
Formulario: Formulario de inscripción

+ info

El encuentro con mujeres retratadas

Fecha: 18 de abril
Hora: 17:00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Auditorio 200
Género: Charla conferencia

Presentación pública de los resultados del taller

Fecha: 20 de abril
Hora: de 16:00 h a 18.00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Sala de protocolo

La invención del siglo XX. Carl Einstein y las Vanguardias

12 de noviembre de 2008 – 16 de febrero de 2009

Historiador y crítico de arte, Carl Einstein fue una de las personalidades más relevantes y polifacéticas de la vanguardia artística del siglo XX. Sus libros, artículos y ensayos fueron piezas fundamentales para el estudio crítico de las vanguardias. En ellos plasmó la introducción en occidente del arte africano o la aprobación del cubismo como movimiento pleno. Su obra intelectual –redescubierta en las últimas décadas– es objeto de homenaje en el MNCARS. Se trata de la primera exposición a nivel internacional que ofrece una descripción visual de la obra de Einstein, figura clave de las artes plásticas pero también de la literatura, el teatro, el cine y la acción política.

Artista desconocido de Fang,
Cabeza Relicario. Madera.
Musée Dapper, París.

La invención del siglo XX. Carl Einstein y Las Vanguardias muestra obras significativas de los artistas más importantes de las vanguardias, a quienes Einstein conoció y sobre cuyas trayectorias reflexionó y escribió. Las ciento veinte obras expuestas reúnen a Braque, Dalí, Grosz, Léger, Miró, Picasso, Rousseau, Paul Klee y Otto Dix, entre otros. La exposición está organizada en secciones sobre escultura africana y oceánica, dadaísmo y verismo, cubismo, surrealismo y arte durante la guerra civil española –Einstein participó en el conflicto como técnico de guerra en 1936. Las obras se acompañan de material documental sobre sus escritos de arte, entre los que destacan El arte del siglo XX (1926) –la obra que le convirtió en uno de los principales historiadores de la vanguardia– y la revista Documents (1929-30), acerca del movimiento surrealista. El espectador se encuentra ante una retrospectiva del arte del último siglo según aparece en los textos de Einstein.

• Lugar: MNCARS. Edificio Nouvel 1
• Fecha: 12 de noviembre de 2008 – 16 de febrero de 2009
• Horarios: Lunes a sábado de 10 a 21 h / Domingo de 10 a 14.30 h / Martes cerrado
• Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
• Comisariado: Uwe Fleckner
• Coordinación: Rafael García Horrillo

Alberto García-Alix. De donde no se vuelve

4 de noviembre de 2008 - 16 de febrero de 2009

Alberto García-Alix (León, 1956) es uno de los fotógrafos más representativos de la escena artística española de las últimas décadas y un artista que ha plasmado su vida a partir de retratos de la vida de los demás. Premio Nacional de Fotografía en 1999, los treinta años de carrera de García-Alix constituyen un documento de una época fascinante de la reciente historia del país. Los cambios sociales y culturales experimentados desde los años ochenta se plasman en su fotografía desde una óptica autobiográfica y opuesta a los estereotipos. El MNCARS le dedica una exposición que nace de un texto elaborado por el fotógrafo y convertido en vídeo expresamente para la muestra: De donde no se vuelve. El vídeo articula el desarrollo y discurso de la exposición, junto a una extensa selección de fotografías de diferentes épocas y formatos. Vídeo y fotos forman un todo que recorre la trayectoria del artista.

De donde no se vuelve es un viaje por el pasado y el presente de García-Alix. El gran número de fotografías que integran la exposición fueron realizadas entre 1976 y 2008, siendo esta la primera vez que se muestran gran parte de ellas. La organización de la muestra se basa en ciclos no cronológicos que pretenden que la comprensión del universo del fotógrafo emerja de la unión de todas las imágenes y no sólo de ellas en sí mismas. Las impresiones que resultan al contemplar las obras se mezclan con el testimonio en primera persona del autor, que narra con su propia voz la pieza audiovisual que da nombre a la muestra y que constituye el eje de la misma. El vídeo supone la exploración de su mundo personal a partir de secuencias grabadas en diversos viajes a China, donde decide perderse para contar su historia. El espectador se ve envuelto en un traslado al pasado del artista y un regreso a su presente. Las fotografías de García-Alix penetran en los aspectos menos mediáticos de la agitación cultural del Madrid de los ochenta, al tiempo que retratan su entorno más inmediato, amigos, personajes de la época, paisajes de su vida… En la actualidad, su perfeccionamiento del retrato y la composición se ha convertido en una herramienta que se vuelca hacia su interior y que manifiesta la evolución del artista hacia posturas más abstractas y poéticas.

• Lugar: MNCARS. Edificio Sabatini
• Fecha: 5 de noviembre, 2008 – 16 de febrero, 2009
• Horarios: Lunes a sábado de 10 a 21h / Domingo de 10 a 14:30h / Martes cerrado
• Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
• Comisario: Nicolás Combarro
• Coordinación: Rafael García Horrillo

Jano - La doble cara de la fotografía. Fondos de la Colección Permanente

En las últimas décadas se ha producido una gran transformación en el ámbito de la fotografía como práctica artística. Desde que artistas conceptuales en los años sesenta comenzaran a utilizar la fotografía  para documentar, registrar o como elemento partícipe de sus proyectos, acciones y performances,  este soporte comenzó a variar el sentido que le venía imponiendo la propia disciplina, liberándose de ataduras formales y apuntando en otras direcciones.  En los últimos quince años, su uso  por  numerosos artistas que no se reconocen como fotógrafos sino que utilizan el medio para construir y desarrollar una sintaxis plástica por donde circulan diferentes maneras de pensar críticamente la realidad, ha conseguido que la fotografía  adquiera una renovada vitalidad. La aparición a mediados de los años sesenta del Cibachrome, que permitía tamaños y calidades  de color, hasta entonces desconocidos, y el reciente paso de la fotografía analógica a la digital  han abierto unas posibilidades técnicas que nos recuerda a los vertiginosos experimentos  que tuvieron lugar entre 1834 y 1851, época clave de los orígenes de la fotografía.

Esta exposición, constituida por una selección de fondos de la colección del Museo, obras realizadas a partir de 1990, trata de reflejar no sólo el nuevo paradigma surgido en el arte contemporáneo sino también cómo éste ha ido incorporándose a la misma colección.  Jano: la doble cara de la fotografía toma el nombre del dios mitológico romano representado por dos caras que miran en direcciones opuestas y simbolizan el cambio y la transición. El nombre de Jano se ha utilizado como metáfora de la transformación de la fotografía, desplegada en una serie de dicotomías: analógico/digital; negativo/positivo; monocromo/color; realidad/ficción; creación/manipulación; documental/artística. La muestra ha sido estructurada en tres apartados temáticos en los que confluyen la mirada crítica de los diversos artistas: arquitectura, naturaleza y personas. Una dimensión política los traspasa y conecta con el público receptor.

ANDY GOLDSWORTHY - En las entrañas del árbol

Estar dentro de uno de los grandes espacios de madera abovedados de Andy Goldsworthy (Cheshire, Inglaterra, 1956) puede ser una experiencia increíblemente intensa. Sucede algo poderosamente turbador, tanto física como emocionalmente, al  entrar por primera vez en estos habitáculos cavernosos. Construidos con ramas y troncos de árbol estrechamente apilados, que dejan entrar poca o ninguna luz del día, la oscuridad resulta desorientadora y los ojos necesitan un rato para acomodarse.  La madera puede sentirse opresiva y pesada al ir surgiendo alrededor y por encima de nuestras cabezas. Construidas para  autosostenerse  por completo, o con las mínimas sujeciones, la aparente inverosimilitud de que estas estructuras se mantengan en pie intensifica el escalofrío inicial.  Y aún así, hay también algo claramente confortante en la naturaleza primaria de estas cúpulas, inducido, al menos parcialmente, por su ligero olor o su extraña calidez.  Ofrecen una intensa experiencia de interioridad, que, más allá de cualquier vacilación inicial, puede provocar una auténtica sensación de ensueño.  Incluso una breve estancia en su interior puede sintonizar de nuevo nuestro instinto con el entorno material natural, que es tan a menudo ensordecido, condicionado o aseptizado.

PAULA REGO

Paula Rego (Lisboa, 1935) es una de las pintoras figurativas más relevantes de la escena internacional. Su producción artística está enraizada en experiencias y recuerdos personales, en siniestras fantasías y en la historia del arte y la literatura. A principios de la década de 1950 se traslada a Inglaterra para estudiar en la Slade School of Fine Art y adopta Londres como ciudad de residencia principal.

Desde sus últimas retrospectivas, organizadas en 1997 por la Tate Liverpool y el Centro Cultural de Belém de Lisboa, han transcurrido diez años, en los que quizá haya producido su arte más persuasivo, por lo que esta exposición supone una reevaluación completa de su obra en todos los medios —pintura, grabado, collage y dibujo— permitiendo explorar en profundidad la interrelación de sus diferentes registros así como su evolución y logrando que el visitante pueda sumergirse en la visión de la vida —en toda su turbulencia patética, tragicómica— que la artista ofrece como si fuese un viaje a través de la mente y de la complejidad de las experiencias vitales. Con enorme fidelidad a su experiencia del mundo —inspirada en los recuerdos de su solitaria pero mágica infancia en Portugal y en los muchos papeles que ha asumido en su vida (incluido el de amante, esposa y madre)—, ha creado una obra intensamente conmovedora y humana sondeando las ramificaciones psicológicas de los ritos de paso a los que todos estamos sometidos, desde el nacimiento hasta la muerte. Es de los pocos artistas modernos cuya obra gira en torno a la vida misma, como también lo hicieron los predecesores que reivindica, Goya y Hogarth, revelando tanto lo mejor como lo peor de la condición humana. Ajena a las modas pasajeras, su reconocimiento artístico le ha llegado después de cumplir los cincuenta años.

GUSTAVO TORNER EN SILOS. Ni orden ni caos

Gustavo Torner  es un  artista autodidacta. Formado como Ingeniero Técnico Forestal, simultaneó profesión y oficio en sus primeros años  de actividad profesional, en los que partiendo de la creación de láminas de botánica, desarrolló una etapa de impronta figurativa que evolucionará hacia la abstracción y el constructivismo.
Artista refinado, profundamente inmerso en el mundo de la cultura ,destaca  en el vasto panorama español de los años sesenta por la riqueza de materiales  que emplea en sus trabajos, plenos de libertad formal y cromática y por su vinculación al Museo de Cuenca, en el que colaboró desde su creación junto a Fernando Zóbel y Gerardo Rueda.
Esta exposición, concebida especialmente para la sala de la Abadía de Silos, lleva el significativo título de Ni orden ni caos, porque en palabras del artista, no hay un criterio para aceptar la forma ya que siempre existe un control mental sobre la creación.
La muestra recoge, un total de cuarenta y ocho obras, que podemos dividir en tres bloques. Por un lado un conjunto de dieciocho gouaches, profundamente expresivos, absolutamente diversos , cuyo único nexo es el procedimiento. Fueron creados especialmente para esta muestra en Madrid, entre la Navidad de 2004 y el año 2005.

Antiguas exposiciones:REVISTAS Y GUERRA. 1936-1939

Durante la Guerra Civil española, la propaganda a través de la imprenta fue determinante en la formación de una cultura específica, una cultura de “tiempos de guerra.” Si los carteles de la Guerra Civil, muy conocidos, han sido considerados “disparos desde el muro”, se debe empezar a pensar también en las revistas, mucho menos famosas y prácticamente no estudiadas, como auténticos laboratorios de desarrollo de la propaganda. La heterogeneidad y cantidad de revistas que, tanto en el lado republicano como en el bando “nacional”, se publicaron durante este tiempo, junto a su alto nivel general de calidad, permite y exige un conocimiento más amplio de las posibilidades que los artistas tuvieron de influir y trabajar durante los años 1936-1939. Desde la publicación de dibujos, fotografías o montajes propios, hasta la apropiación de imágenes, procedentes especialmente de la industria de propaganda política de la Unión Soviética, los artistas usaron esas revistas no sólo en un sentido lato, como medios de propaganda, sino también como lugar de experimentación y comprobación de sus propias propuestas y experiencias.

Más info : http://www.museoreinasofia.es/portada/portada.php

MUSEO DE ARTE THYSSEN-BORNEMISZA
(Palacio de Villahermosa, Paseo del Prado 8)

Posee una de las más grandes colecciones privadas del mundo. Muy pocas ciudades pueden estar orgullosas de alojar una colección de calidad como esta.

Podrán encontrar obras de los artistas siguientes: Duccio, Van Eyck, Carpaccio, Kandinsky, Lucas Cranach, Dürer, Caravaggio, Rubens, Frans Hals, Titian, Van Gogh, Gauguin, Monet, Kirchner, Picasso, Mondrian, Klee, Hopper, Rauschenberg. El museo está estructurado de una tal manera que es posible hacer un viaje hacia la historia del arte, del siglo XIII hasta las últimas décadas del siglo XX.

Antiguas exposiciones: ARIKHA:

La palabra Studiolo designaba, en los palacios del Renacimiento, una pequeña estancia donde el príncipe podía refugiarse a leer, meditar y contemplar algunas obras de arte cuidadosamente elegidas. Nuestra nueva serie de exposiciones se titula Studiolo porque quiere ser una especie de museo dentro del museo y ofrecer al espectador un retiro para la contemplación. Cada una de las exposiciones de la serie, que se celebrarán anualmente, propondrá una selección de obras maestras de nuestras colecciones realizada por un gran artista vivo.

El comisario de la primera exposición de esta serie es Avigdor Arikha, un pintor que es a la vez un brillante ensayista, conferenciante, comisario de exposiciones y autor de documentales sobre pintura. Arikha ha practicado constantemente el trabajo del natural, la pintura basada en la observación. Y este es precisamente el foco de su selección, que reúne dieciocho obras maestras de nuestras colecciones, desde la Santa Catalina de Caravaggio hasta una composición de Mondrian que actúa como contrapunto a la pintura del natural. Más info : http://www.museothyssen.org

Para más informaciones sobre fiestas, vida cultural y nocturna, viajes, alojamientos, o consejos conocerte gente, intercambios de idiomas o para viajar a madrid o desde madrid, no dudes en llamarme al + 34 654 231 156 (me llamo rubén) o si no contesto, mandame un email a ruben@madridculture.com (ruben@madridculture.com)

MUSEO MUNICIPAL (c/Fuencarral) 78, Metro Tribunal.

Abierto de martes al viernes de las 9:30 am a las 8 pm, sábados y domingos de las 10 am a las 2 pm. El museo está cerrado los lunes y los días festivos. La entrada es libre.

Este museo esta vinculado a la historia de Madrid, e incluye diversas pinturas, esculturas y mapas

Más info : http//www.munimadrid.es/museomunicipal/

PALACIO REAL (c/Bailén, s/n, Metro Opera)

Abierto de lunes a sábado de las 9 am a las 6 pm y los domingos de las 9 am a las 3 pm. La entrada cuesta 8 Euros. Los niños, estudiantes y jubilados pagan 3,30 Euros. La entrada es libre para TODOS los ciudadanos de la UE los miércoles.

Bonitas colecciones de arte, decorativos y pinturas. Este palacio esta utilizado solamente para recepciones y ceremonias oficiales, pero los reyes españoles ya no residen allí.

Más info : http://www.patrimonionacional.es/preal/preal.htm

FUNDACIÓN CULTURAL MAPFRE VIDA
(Avenida General Perón 40, Metro Santiago Bernabeu)

Esta fundación ofrece diferentes exposiciones de arte contemporáneo o moderno durante todo el año. Entrada libre

Más info : http://81.19.100.138/mapfre/index.jsp

MUSEO MUNICIPAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO
(Conde Duque, 11 Metro Noviciado)

El museo está abierto de martes a sábado de las 10 am a las 2 pm, de las 6 pm hasta las 9 pm y los domingos de las 10.30 am hasta las 2.30 pm. Entrada libre.

Colección de arte contemporáneo: pinturas, esculturas, dibujos fotos sobre Madrid y realizados por jóvenes y recién artistas madrileños.

Más info : http://www.munimadrid.es/museoartecontemporaneo/

LA CASA ENCENDIDA
(Ronda de Valencia 2, Metro Lavapiés)

En esta fundación, se puede disfrutar de diversas actividades artísticas: música contemporánea y urbana, sesiones de video y de cine, teatro, concierto, talleres de arte...

Más info : http://www.lacasaencendida.com

EXPOSICIONES TEMPORALES:

FUNDACION CARLOS DE AMBERES (C/ Claudio Coello, 99)

EXPOSICIÓN TOULOUSE-LAUTREC Y RAMÓN CASAS,
PRECURSORES DEL CARTEL MODERNO.

Esta exposición presentará en la sede de la Fundación Carlos de Amberes, de mayo a julio de 2006, la obra de dos genios de los inicios del cartel moderno:

Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864-Malromé, 1901) está considerado como una de las figuras más representativas del neoimpresionismo francés; introductor del cartel ilustrado, un nuevo género artístico. Con el desarrollo de esta propuesta, Lautrec demostró tener un sentido agudo del lenguaje publicitario. Se puede decir, que su arte fue uno de los más radicales enfrentamientos contra el academicismo occidental.

Se ha dado en considerar a Ramón Casas (Barcelona 1866-1932) como una de las figuras más relevantes de la pintura española de la época. Dentro de sus propuestas innovadoras fueron determinantes los trabajos de Lautrec y otros artistas franceses que produjeron carteles. En realidad, Casas quiso acercar su obra al gran público, descubriendo en el cartel, en la conjugación de arte y comercio -que se sitúa en el origen de la publicidad-, el vehículo idóneo. Fue el autor del Anís del Mono.

Los carteles de Ramón Casas proceden de colecciones particulares y de instituciones como el Museo Nacional de Arte de Catalunya, entre otras. Los de Toulouse-Lautrec son parte de la colección del Musée d'Ixelles, en Bruselas. El comisario de esta iniciativa es el especialista Daniel Giralt-Miracle.

Fechas: Del 20 de mayo al 9 de julio de 2006.

Horarios: De martes a viernes: de 10.00 a 20.30 horas.
Sábados: de 11.00 a 14.00 y de 17.30 a 20.30 horas.
Domingos y festivos: de 11.00 a 14.30 horas.

Más info: http://www.fcamberes.org

FUNDACIÓN JUAN MARCH
(calle Castelló 77, Metro Núñez de Balboa)

Esta fundación propone hasta el 15 de enero una exposicion muy interesante que es un verdadero itinerario por las principales vanguardias, movimientos y estilos artísticos del siglo XX a través de 60 obras de 57 autores.

La Fundación, que fue pionera en dar a conocer en España muchos de los artistas más destacados del siglo XX, quiere recordar algunas de las cerca de 150 exposiciones, individuales y colectivas, ofrecidas en su sede desde 1975. En un recorrido que abarca desde 1860 a 1996, vuelve a Madrid una selección de obras de aquellas muestras y de aquellos artistas que han representado las grandes tendencias del arte contemporáneo.

Entrada libre, tanto para la exposición como para las conferencias (los miercoles de 11h a 14h y los viernes de 16h30 a 19h30). Dejense llevar por cualquiera de las mujeres que practican las conferencias con mucho domino de su arte. Todo un placer ver estos bonitos cuadros con sus explicaciones interesantes y subtiles.

LA ABSTRACION DEL PAISAJE:del romanticismo nordico al expresionasmo abstracto/

El nacimiento de la abstracción pictórica desde el espíritu del paisaje, o también el paisaje del siglo XIX y la tradición romántica del norte de Europa y América como origen de la abstracción moderna: ése es el argumento de esta exposición, que quiere mostrar visualmente, a través de la obra de grandes maestros, la progresiva transformación del paisaje desde la incipiente espiritualización de sus formas en el romanticismo hasta su disolución total en el expresionismo abstracto americano.

Inspirada en la propuesta del célebre historiador del arte Robert Rosenblum (1927-2006), La abstracción del paisaje. Del romanticismo nórdico al expresionismo abstracto reúne 124 obras sobre papel de 26 artistas europeos y norteamericanos desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko, y también de algunos europeos contemporáneos como Anselm Kiefer y Gerhard Richter, que mantienen en su obra una peculiar relación con la herencia romántica.

La exposición quiere mostrar la conexión pictórica, estética, e histórico-cultural que existe entre la tradición del norte de Europa, especialmente entre el paisajismo del primer romanticismo, y la abstracción moderna europea y norteamericana, mostrando una sugestiva suerte de “nacimiento de la abstracción desde el espíritu del paisajismo romántico”. En la tradición de las muestras históricas sobre romanticismo y pintura de paisaje, tan frecuentes, esta exposición vincula, desde dicho argumento, casi dos siglos de historia del arte.

Las obras expuestas proceden de más de una veintena de museos europeos y americanos y de algunas colecciones particulares.

Componen  la exposición 124 obras sobre papel, aproximadamente la mitad de autores del  siglo XIX y la otra mitad del XX. Inician el recorrido tres paisajes a la sepia de Caspar David Friedrich, de 1802 –primavera, otoño e invierno–, de las cuatro estaciones del primero de sus ciclos de Jahreszeiten, perdidos desde 1935 y recién reencontrados. La Fundación Juan March expone  estos tres paisajes en primicia internacional, solo precedida por la pequeña exposición berlinesa  que los ha mostrado una vez restaurados. Y  se concluye con obras de las principales figuras del expresionismo abstracto norteamericano: Mark Rothko (acuarelas de gran formato de la National Gallery de Washington), Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Jackson Pollock o Georgia O’Keefe, y también de dos pintores europeos contemporáneos – Anselm Kiefer y Gerhard Richter– en los que la pervivencia del paisajismo romántico es explícita y peculiar.

Cubren el lapso temporal entre 1803 y nuestros días paisajes de autores siempre pertenecientes a la “tradición nórdica” como, además del citado Friedrich, Philip Otto Runge, J.C.C. Dahl, E. F. Oehme, Carl Gustav Carus, Carl Blechen, J.M.W. Turner, John Robert Cozens o John Constable; los luministas americanos del XIX como Church, Cole, Heade o Bierstadt; y autores que se encuentran en la transición del XIX al XX y en pleno siglo XX: Vincent  van Gogh, Piet Mondrian, Edvard Munch, Emil Nolde, Paul Klee, Vassily Kandinsky o Max Ernst, entre otros. De muchos de estos artistas la Fundación Juan March ha ofrecido muestras monográficas (véase www.march.es/arte/madrid/anteriores/anteriores.asp)

Las obras proceden de 13 museos europeos y 7 norteamericanos, así como de  algunas colecciones privadas. Además de la  citada Nacional Gallery de Washington, han prestado  fondos para la exposición son el Zentrum Paul Klee de Berna, el Kupferstichkabinett de Dresde, la Tate y el Victoria&Albert Museum de Londres, la Fundación Nolde, el Van Gogh Museum de Amsterdam y el Kröller-Müller Museum de Otterlo, el Kunstmuseum de Winterthur, la National  Gallery of Art (Washington), la Yale University Art Gallery, la Gottlieb Foundation, el MoMA, el Metropolitan y el Cooper-Hewitt Museum de Nueva York.

antiguas exposiciones: Hasta el 14 de mayo: Otto Dix

Esta retrospectiva de Otto Dix (1891-1969), uno de los principales representantes de la “Nueva Objetividad”, es la primera gran exposición dedicada al pintor alemán en España. Incluye 84 obras – óleos, guaches, acuarelas y dibujos- de quien vivió los principales acontecimientos que marcaron el siglo XX: la República de Weimar, el nacionalsocialismo y las dos guerras mundiales.

A través de 35 óleos, 27 guaches y acuarelas y 22 dibujos, la muestra recorre prácticamente toda la obra de Dix desde 1914 hasta 1969, año de su muerte, con especial énfasis a los años 20 y 30, pasados en Berlín y en Dresde y que constituyen la época más importante de su carrera artística. Entre las obras expuestas destaca el gran estudio preparatorio para el tríptico Metrópolis (184 x 405 cm), de 1927-28, su obra más importante junto a La guerra (1932).

La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con el asesoramiento de Ulrike Lorenz, directora del Kunstforum Ostdeutsche Galerie de Regensburg (Ratisbona), especialista en Otto Dix y autora del catálogo razonado de los dibujos del artista, así como de todos los textos que recoge el catálogo de esta exposición.

Visitas guiadas gratuitas : Miércoles: de 11.00 a 13.30 hs.
Viernes: de 16.30 a 19.15 hs. Las visitas guiadas comenzarán cada 20 minutos cada una de ellas para un máximo de 25 personas, por orden de llegada.

Más info : http://www.march.es/arte/madrid/temporal/temporal.asp

La Embajada y el Instituto de México en España invitan a la inauguración de la exposición PIGMENTOS PERDURABLES
Kikis Álamo, Adriana Cerecero y Gabriela Rosado

Jueves, 27 de abril de 2006, a las 20:00 horas Instituto de México en España Carrera de San Jerónimo, 46, 28014 Madrid

Kikis Álamo, Adriana Cerecero y Gabriela Rosado son tres pintoras mexicanas afincadas en España. A invitación del Instituto de México exhiben juntas su producción más reciente, del 27 de abril al 1 de junio. Piezas de papel hecho a mano, técnicas mixtas sobre tela y óleos sobre metacrilato son algunas de sus propuestas.

Kikis Álamo nace en Veracruz en 1951. Es graduada en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana, en 1974. En 1989 realiza estudios avanzados en Diseño Textil en la Universidad de Seattle. Expone colectiva e individualmente desde 1982 en México D. F. , Francia (París, Biarritz) Suiza (Basilea), Holanda y España (Madrid, Donostia, Hondarribia y Bilbao). Ha participado en la Feria de Arco en el stand Paperki, y en la Feria de Estampa. Ha efectuado exposiciones individuales en la Galería d'Orsay en Paris en 1988, en 1994 en la Sala Rekalde de Bilbao y en el Koldo Mixtelena en Donostia en el 2002. Reside en España desde 1982.

Desde que finalizó sus estudios universitarios ha trabajado en la idea de que el papel, más allá de ser un mero soporte de la obra, puede ser convertido en objeto de arte. Procesos ancestrales y modernos de producción de papel aunados al desarrollo de técnicas propias, le han permitido manipular las fibras vegetales originales y elevarlas a medio de expresión artística mediante la transparencia, las texturas táctiles y ópticas, las imágenes internas y externas y los volúmenes virtuales y reales con los que ha creado un universo de posibilidades creativas.

Adriana Cerecero nace en la ciudad de México en 1957 pero pronto se muda a Saltillo, capital del estado de Coahuila. Expone desde 1983 en muestras colectivas e individuales en México (Monterrey, Saltillo, México D. F., Chihuahua, San Luis Potosí y Zacatecas), España (Palma de Mallorca, Granada y Madrid) y EE.UU. (San Antonio). Caben destacar las exposiciones individuales en 1993 en el Museo Diego Rivera, en el D. F.; en 1998 en el Museo Francisco Gotilla, en Zacatecas, y en este año en el Centre D'Art La Real en Palma de Mallorca. Reside en España desde 2001.

Sus pinturas apuestan por la estructura como base compositiva, de modo que la presencia de mallas y entramados se convierten en el «motivo» que articula su trabajo creativo. La presencia de esta ordenación ortogonal sugiere a su vez seriaciones que toman como módulo la geometría del cuadrado y también prolongaciones de lineales verticales y horizontales con las que construye las tramas que protagonizan sus piezas. Sin embargo su trabajo no se detiene en el interés exclusivo por la composición geométrica, ya que las texturas y los collages conque los materializa, implican vestigios textiles reforzados por «puntadas» que atraviesan las telas ordenadamente, siguiendo la armazón predeterminada por la urdimbre. Para ello incluye materiales tradicionales de México, como el papel amate, el tule y el yute.

Gabriela Rosado nace en la cuidad de México en 1966, donde terminó la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" del INBA. Expone regularmente desde 1985 individual y colectivamente en espacios públicos y privados en México (Monterrey, Mérida y México D. F. ), Suiza (Morges), Portugal (Oporto, Faro y Lisboa) y España (Barcelona y Madrid). Entre sus exposiciones destacan la que hizo en la Galería Praxis en 1997 en el D. F., la del Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán en el 2002 y la de la galería Espacio de Suiza en 2004. Reside en España desde 2003.

Llegar, a través de diferentes estímulos, a un tema único cuyo valor emotivo sólo existe para esta creadora, empleando medios para dar forma a un sentimiento incomunicable, constituye un proceso exterior cuyo origen considera irracional e instintivo que conduce y se resuelve en la obra plástica. "Vuelven así los signos, los ideogramas y pictogramas, vuelvo inconscientemente a mis raíces, a ese mundo mítico y primigenio de cosas, seres y vegetales donde se hallan vinculados el nacer y el perecer, el principio y el fin de todo ser terrenal; la abstracción y la figuración en composiciones apoyadas en los pesos y contrapesos del color y de las formas en juego".

EXPOSICIÓN ABIERTA DEL 27 DE ABRIL AL 1 DE JUNIO

Horario de lunes a viernes de 10.00 a 15.00 h y 17.00 a 19.00h

Tel. 91 420 3434 91 369 0320 http://cultura.embamex.es